pintura

“La Creación de Adán” de Miguel Ángel

29 agosto, 2011

la creación de adán es una pintura que se encuentra en el techo de la Capilla Sixtina, que fuera elaborada por Miguel Ángel alrededor del año 1511. La misma ilustra un episodio bíblico del Génesis, donde Dios le da vida a Adán. Esta es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas del mundo, al tiempo que tardó entre tres y cuatro años en ser completada.

En la pintura Dios es representado como un hombre de avanzada edad y con barba, que se encuentra envuelto en una túnica color púrpura que comparte con unos querubines. Hay una figura femenina envuelta por su brazo izquierdo, que generalmente se la interpreta como Eva, quien no ha sido creada aún y espera en los cielos que le sea dado un lugar en la Tierra.

Se puede apreciar como el brazo derecho de Dios se encuentra estirado para impartir la chispa de vida desde su propio dedo al de Adán, quien tiene su brazo izquierdo en la misma posición que el derecho de Dios. Es notorio el hecho que ambos dedos están separados por una pequeña distancia.

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Museo del Prado, el más importante de España

26 agosto, 2011

El Museo Nacional del Prado se ubica en Madrid, y tiene el privilegio de ser uno de los más importantes del mundo ya que está entre los más visitados de todo el planeta. El mismo se destaca por su gran contenido de cuadros de grandes artistas europeos entre los siglos XVI y XIX.

Este museo tiene una gran reputación por contar con muchas piezas de artistas como Velázquez, El Greco, Goya (el pintor con más piezas en la colección), Tiziano, Rubens y El Bosco, de los que posee las mejores y más grandes colecciones que existen a nivel mundial.

A estos grandes artistas se les suman colecciones de otros muy buenos pintores como Murillo, Ribera, Zurbarán, Rafael, Veronese, Tintoretto o Van Dyck. Hasta no hace mucho tiempo el museo exhibía una corta selección de obras de calidad que llegaban a las 900 unidades debido a su poco espacio, motivo por el cual se lo conocía como “la mayor concentración de obras maestras por metro cuadrado”.

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La pintura gótica en Italia


La pintura gótica nació en Italia a partir del siglo XIII, unos 50 años después de la aparición de la arquitectura y la escultura gótica. Hasta ese entonces la pintura italiana medieval se había inspirado fundamentalmente en la bizantina, pero a partir de ahí comenzó a fundirse con las tradiciones clásicas y paleocristianas.

Como consecuencia de este cambio en la pintura italiana, cien años más tarde se desembocó en el lenguaje pictórico de las Escuelas Florentinas y de Siena, las cuales establecerían las bases para que finalmente se llegue al Renacimiento.

Una de las principales características de la pintura gótica italiana del siglo XIII es que, en gran medida, deja de lado el mosaico para dedicarse al fresco y a la miniatura. Aunque como ya manifestamos anteriormente, esta pintura trae consigo características de los períodos anteriores de la edad media en su claro bizantinismo.

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La pintura surrealista


El surrealismo comenzó en París en 1924 con la publicación del “Manifiesto Surrealista” del artista francés André Breton, quien pensaba que el momento histórico por el que se atravesaba luego de finalizada la Primera Guerra Mundial, exigía la aparición de un nuevo arte que indagara en lo más profundo del ser humano para lograr comprender al hombre en su totalidad.

Al ser conocedor de Sigmund Freud pensó en una creación artística que proviniera de las cualidades que otorga el psicoanálisis, por lo que así surgió el arte surrealista.

Según los principales pintores de este estilo, la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en que la mente no ejerza ningún tipo de control. A través de formas abstractas o figurativas simbólicas, intentan plasmar las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y los sueños.

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Pinturas con técnicas mixtas


Cuando hablamos de técnicas mixtas nos referimos al uso de dos o más técnicas artistas como dibujo, acrílico o collage, combinadas en una misma obra. Esto nos permite potenciar nuestra imaginación a la hora de realizar una pintura.

Más allá que cada técnica es versátil, incluir medios diferentes le puede entregar a la obra una mayor consistencia sensorial y riqueza de texturas. Esta técnica la podemos trabajar mezclando acrílico y óleo, lápices y collage o dibujo y fotografía. Se pueden incluir elementos encontrados en la superficie de la pintura, hecho que le da dimensiones escultóricas a la obra.

Otra característica de estas piezas es la presencia de elementos externos como arena, hojas, etc. De esta manera la técnica mixta permite desarrollar la libertad de creatividad, que no apunta tanto a la perfección de los detalles y los modelos previos, sino al sentido del movimiento original y sus cualidades.

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Materiales básicos para pintar con acuarela


Antes de comenzar a pintar con acuarela debemos tener a mano todos los materiales que vamos a necesitar. Por eso a continuación te mostramos cuales son las características que preferentemente deben tener cada uno de ellos.

Pinturas: las acuarelas son fabricadas con pigmento en polvo y goma arábiga, al tiempo que se utiliza el agua para aplicarlas. Las mismas vienen en pastilla y en tubo, siendo las primeras las más económicas. Las pastillas son ideales para hacer pequeñas mezclas de color y para crear bocetos aunque tienden a resecarse, por lo que deben guardarse cubriéndolas con una tela húmeda antes de cerrar la caja.

Por otra parte, los tubos cuentan con más colores y no provocan que los pinceles se deterioren como pasa con las pastillas, ya que no es necesario frotar. La calidad dependerá de los pigmentos que se hayan utilizado para hacer la pintura.

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La pintura simbolista


El término simbolismo proviene de la literatura y luego se aplicó a la pintura, ya que las intenciones de los poetas y los pintores eran similares. Este movimiento surgió en Francia en la década de 1880, como reacción al enfoque realista implícito en el Impresionismo.

Tanto este último movimiento como el idealismo y el naturalismo académico se identificaban con los problemas contemporáneos, políticos, morales e intelectuales. Por eso los artistas de la época, disgustados por la falta de capacidad por parte de la sociedad para resolver estos problemas, buscaron nuevos valores basados en lo espiritual.

Su objetivo fue crear una pintura que no estuviera condicionada por la realidad de su momento, rechazando de esta manera todo lo que estuviera relacionado con la vida diaria, la aglomeración, la actividad industrial y la degradación.

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Caravaggio: Infamia y leyenda

23 agosto, 2011

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 – 1610) fue un artista italiano que estuvo activo entre los años 1593 y 1610 trabajando principalmente en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia. Sus pinturas, que combinan observaciones realistas de la condición humana, tanto en aspectos físicos como emocionales y su uso dramático de la iluminación tuvieron un efecto fundamental en el surgimiento de la escuela barroca de pintura. Sus trabajos y los de sus seguidores están actualmente en exhibición en la galería Nacional de Canadá, la primera vez que estas pinturas salen de Italia.

Caravaggio entrenó como pintor en Milán, bajo un maestro que había aprendido de Titian. A comienzo de su segunda década de vida, caravaggio se mudó a Roma donde durante finales del siglo XVI y comienzos del XVII se estaban construyendo muchas iglesias y palacios nuevos, lo que requerían pinturas para decorarlas.

Durante la contra-reforma que buscaba detener el avance del protestantismo, la Iglesia Católica buscaba arte religioso paara detener el crecimiento de lo que consideraban un movimiento herético y para esta tarea las estética del estilo manierista, que había sido el predominante durante más de un siglo, ya no parecía adecuada.

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Mark Rothko: Indefinible y genial


 

Mark Rothko (1903-1970) es probablemente uno de los artistas más complejos del siglo XX, ya que su extensa producción artística continúa suscitando intensos debates entre críticos e historiadores de arte, que no saben en que movimiento artístico colocarlo. Esto se deriva en parte de la opinión del propio Rothko que no era un “expresionista abstracto” como la crítica lo consideró en su momento y ni siquiera se veía como un artista abstracto.

Rothko evolucionó artísticamente a lo largo de toda su carrera, pasando por una variedad de estilos, incluyendo el surrealismo, en su búsqueda de expresar emoción y espiritualidad pura a través de imágenes igualmente puras. El estilo de Rothko no está libre de críticas, ya que muchos lo han considerado pretencioso pero su impacto en el arte contemporáneo aún no se ha medido adecuadamente y se cree que no será comprendido totalmente hasta dentro de varias décadas más.

Las pinturas “multiformes” de Rothko, creadas originalmente en 1946 fueron el inicio de su período más famosos aunque el propio pintor nunca uso ese término para referirse a su obra. Según Rothko esas pinturas poseían una estructura más orgánica de lo que la crítica le atribuía, siendo unidades autocontenidas de expresión humana.

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El Barroco


El estilo artístico conocido como barroco se originó a principios del siglo XVII en Italia y se expandió hacia la mayor parte de Europa en el contexto de la reforma protestante que amenazaba el poder casi absoluto de la Iglesia Católica y permitía nuevas formas de expresión artística algo más libres y alejadas de la temática religiosa que había dominado el arte durante siglos.

El término barroco fue creado por críticos y no por los practicantes del estilo y se inspira en la palabra portuguesa barroco que significa joya falsa o perla de forma irregular. Originalmente el término se usó de forma despectiva ya que se consideraba al estilo como uno excesivamente recargado y alejado de la pureza que se creía que el arte debía exhibir tradicionalmente.

El arte barroco se distingue por su intenso realismo, sus colores fuertes y su uso de las sombras, prefiriendo mostrar la acción en el momento que ocurría (el punto de mayor dramatismo) a diferencia de los renacentistas que elegían el momento previo. En muchos aspectos el barroco puede considerarse como una antítesis de la racionalidad renacentista, ya que buscaba causar emoción en el espectador.

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